David Bowie - Rubber Band - Version 2 -- Clear Sound Technology
текст песни
14
0 человек. считает текст песни верным
0 человек считают текст песни неверным
David Bowie - Rubber Band - Version 2 -- Clear Sound Technology - оригинальный текст песни, перевод, видео
- Текст
- Перевод
Об этой композиции необходимо сказать особо. Без преувеличения она может стать настоящим базисом для нового оркестрового мышления. И вот почему.
Боуи здесь исповедует, в сущности, принцип Фомина, для которого оркестр был ничем иным как составом ИНДИВИДУАЛЬНОСТЕЙ, между которыми он строит равноценные созвучия, не принижая и не возвышая кого-либо. И именно такой принцип Боуи применяет в своем альбоме осознанно и показательно. Его аккомпанемент – это тоже «соло», т.е. каждый инструмент выполняет роль солирующего. Как, например, в данной композиции, где туба, играя свою обычную басовую партию, ею же, фактически, солирует. И так – каждый из инструментов.
И именно это для меня (наряду с «ращеплением» АВ) является фундаментальным в создании нового музыкального менталитета.
То есть – это двоичность музыкального сознания (где, при этом, абсолютно любой элемент может стать Синтезом) и индивидуальность оркестрового самовыражения (где каждый инструмент в определенный момент времени исполняет свое соло, даже играя совместно с другими инструментами, создавая общую звуковую палитру образа), а аккордовая «безликость» уходит в прошлое.
И тут сама собой возникает эстетика «прозрачного» оркестра в противовес романтической «звуковой стены», причем само оркестровое наполнение может быть каким угодно смешанным и разношерстным, ибо нет понятия «тутти», а есть понятие «последовательность звучания», которую можно выстраивать между даже самыми несозвучными инструментами, создавая особый колорит образа.
Все это скорее «читается», нежели слышится в данной композиции Дэвида Боуи. В ней это заложено где-то на подсознательном уровне.
Форма данного произведения тоже интересна.
С(начало)+А(дважды)В(единожды)+А(дважды)В(дважды)+С(конец)
Я бы здесь весьма основательно разделил Синтез на начало и конец, где начальная фаза выполняет роль вступления, а конечная – окончания произведения.
***Кстати, примерно такая же структура «раздвоенного Синтеза» мне слышится во второй части «Концерта Марчелло»***.
Боуи здесь исповедует, в сущности, принцип Фомина, для которого оркестр был ничем иным как составом ИНДИВИДУАЛЬНОСТЕЙ, между которыми он строит равноценные созвучия, не принижая и не возвышая кого-либо. И именно такой принцип Боуи применяет в своем альбоме осознанно и показательно. Его аккомпанемент – это тоже «соло», т.е. каждый инструмент выполняет роль солирующего. Как, например, в данной композиции, где туба, играя свою обычную басовую партию, ею же, фактически, солирует. И так – каждый из инструментов.
И именно это для меня (наряду с «ращеплением» АВ) является фундаментальным в создании нового музыкального менталитета.
То есть – это двоичность музыкального сознания (где, при этом, абсолютно любой элемент может стать Синтезом) и индивидуальность оркестрового самовыражения (где каждый инструмент в определенный момент времени исполняет свое соло, даже играя совместно с другими инструментами, создавая общую звуковую палитру образа), а аккордовая «безликость» уходит в прошлое.
И тут сама собой возникает эстетика «прозрачного» оркестра в противовес романтической «звуковой стены», причем само оркестровое наполнение может быть каким угодно смешанным и разношерстным, ибо нет понятия «тутти», а есть понятие «последовательность звучания», которую можно выстраивать между даже самыми несозвучными инструментами, создавая особый колорит образа.
Все это скорее «читается», нежели слышится в данной композиции Дэвида Боуи. В ней это заложено где-то на подсознательном уровне.
Форма данного произведения тоже интересна.
С(начало)+А(дважды)В(единожды)+А(дважды)В(дважды)+С(конец)
Я бы здесь весьма основательно разделил Синтез на начало и конец, где начальная фаза выполняет роль вступления, а конечная – окончания произведения.
***Кстати, примерно такая же структура «раздвоенного Синтеза» мне слышится во второй части «Концерта Марчелло»***.
This composition must be said especially. Without exaggeration, it can become a real basis for the new orchestral thinking. And that's why.
Bowie here professes, in essence, the principle of Fomin, for which the orchestra was nothing more than a composition of individuals, between which he builds equal harmony, without belittling and without towering anyone. And it is precisely this principle that Bowie uses in his album consciously and indicative. Its accompaniment is also a “solo”, i.e. Each tool acts as a solo. As, for example, in this composition, where the tube, playing its ordinary bass party, is actually soloing it. And so - each of the tools.
And this is precisely for me (along with the “crowning” AB) that is fundamental in the creation of a new musical mentality.
That is, it is the binary of musical consciousness (where, at the same time, absolutely any element can become a synthesis) and the individuality of the orchestral expression (where each instrument at a certain point in time performs its solo, even playing together with other instruments, creating a common sound palette of the image), And the chord's “facelessness” is a thing of the past.
And here the aesthetics of the “transparent” orchestra arise by itself as opposed to the romantic “sound wall”, and the orchestral content itself can be any mixed and motley, because there is no concept of “tutti”, but there is the concept of “sequence of sound”, which can be built between even between The most inconsistent tools, creating a special flavor of the image.
All this is more “read” than heard in this composition of David Bowie. In it it is laid somewhere at a subconscious level.
The shape of this work is also interesting.
C (beginning)+A (twice) B (once)+A (twice) B (twice)+C (end)
Here I would very thoroughly divide the synthesis into the beginning and end, where the initial phase serves as the introduction, and the final phase - the end of the work.
*** By the way, approximately the same structure of “bifurcated synthesis” is heard in the second part of the “Marcello concert” ***.
Bowie here professes, in essence, the principle of Fomin, for which the orchestra was nothing more than a composition of individuals, between which he builds equal harmony, without belittling and without towering anyone. And it is precisely this principle that Bowie uses in his album consciously and indicative. Its accompaniment is also a “solo”, i.e. Each tool acts as a solo. As, for example, in this composition, where the tube, playing its ordinary bass party, is actually soloing it. And so - each of the tools.
And this is precisely for me (along with the “crowning” AB) that is fundamental in the creation of a new musical mentality.
That is, it is the binary of musical consciousness (where, at the same time, absolutely any element can become a synthesis) and the individuality of the orchestral expression (where each instrument at a certain point in time performs its solo, even playing together with other instruments, creating a common sound palette of the image), And the chord's “facelessness” is a thing of the past.
And here the aesthetics of the “transparent” orchestra arise by itself as opposed to the romantic “sound wall”, and the orchestral content itself can be any mixed and motley, because there is no concept of “tutti”, but there is the concept of “sequence of sound”, which can be built between even between The most inconsistent tools, creating a special flavor of the image.
All this is more “read” than heard in this composition of David Bowie. In it it is laid somewhere at a subconscious level.
The shape of this work is also interesting.
C (beginning)+A (twice) B (once)+A (twice) B (twice)+C (end)
Here I would very thoroughly divide the synthesis into the beginning and end, where the initial phase serves as the introduction, and the final phase - the end of the work.
*** By the way, approximately the same structure of “bifurcated synthesis” is heard in the second part of the “Marcello concert” ***.
Другие песни исполнителя: